viernes, 25 de enero de 2019

Primus: Nunca apestan y siempre rockean

La agenda 2019 de conciertos internacionales en la escena rock de Chile abrió los fuegos de la mano de los californianos Primus, liderados por el virtuoso bajista, compositor y vocalista Les Claypool, además del incombustible Larry LaLonde en guitarra y el retornado miembro fundador Tim Alexander en batería.

El contexto en el que Primus se hace presente nuevamente en el país, está enmarcado en la gira ¨Ambushing the Storm Tour¨ para promocionar el noveno disco de estudio titulado: ¨The Desaturaring Seven¨, publicado el 29 de septiembre del 2017. Esta última placa sonora, trae de vuelta a un Tim ¨Herb¨ Alexander que no grababa con la banda desde el laureado ¨Tales from the Punchbowl¨, por allá en el lejano 1995 con el gran hit ¨Wynona Big Brown Beaver¨, el cual repletaba la programación de MTV en donde la banda era invitada a tocar en programas de la talla de David Letterman y el late show de Connan O´Brien.

El teatro Coliseo fue seleccionado como el reducto idóneo ubicado en pleno corazón de Santiago, con una capacidad de convocatoria al borde de su aforo máximo, en donde también destacó su gran acústica en el sonido envolvente de Primus. ¿Qué si sonó bien la banda? No, sonó increíble cada canción del repertorio del show. Ya pasada las 21:10 horas, las luces comenzaron a bajar en dos tandas de intensidad, la cuales hacían que público comenzará a inquietarse en un ambiente absolutamente favorable para cualquier fanático (a) que guste del buen rock en vivo.

Si hay una canción en el repertorio de Primus que puede causar estragos de manera escalada, definitivamente es ¨Those damned blue-collar tweekers¨. La sirena emulada por la guitarra de Larry, es el indicador inequívoco ante la llamada del sonido hipnótico, con una percusión con base en ritmos tribales y un riff aplanador de cerebros, el cual fue fraguado en 1991 en el registro ¨Sailing the Seas of Cheese¨.  

La energía no paraba de emanar con otro clásico desenfundado del talante de ¨Too Many puppies¨ en donde todo el público no paraba de saltar y corear los fraseos de Claypool. El apoyo visual fue otro gran protagonista del show, ya que la banda pensó cautelosamente, cada registro con imágenes alusivas a la lírica. ¨Sgt Baker¨ aparece dentro del medley en Too Many puppies, con un manejo impecable de tempo y silencios entre temas.

Los primeros acordes ¨The Seven¨ dieron paso al más reciente material de la banda, canción que describe a los siete personajes que son parte del disco The Desaturating Seven.
Otra gran perla de la noche, fue la genial ejecución de ¨Harold of the Rocks¨ que cobraba vida en un teatro Coliseo, desbordado y entregado por ese vestigio proveniente del inmortal disco ¨Frizzle Fry¨  (1990). Todo mundo gritando: ¨¡Primus sucks!¨

Con nueve canciones ya entregadas a una fanaticada que no paraba de asentir, saltar y disfrutar por la gran entrega del conjunto, caía como reboso de aire fresco, el primer interludio que Primus ofrecía para recargar energías. El intermedio fue protagonizado por Popeye, con dos capítulos que evocaban la infancia en clave caricatura y la clásica espinaca del marinero.



El segundo tiempo del show, venía atiborrado de canciones que son parte repertorio cargado de hits como: ¨Here Come the Bastards¨, ¨Wynona´s Big Brown Beaver¨, ¨My Name is Mud¨ y ¨Jerry Was a Race Car Driver¨.

Otro de los grandes momentos que marcaron pauta anoche, fue la sublime ejecución en el contrabajo de Les en donde desplegó todo su virtuosismo, con guiños a Led Zeppelin en una escueta y precisa versión de ¨Kashimir¨. LaLonde por su parte despuntó como siempre, en el excelente solo de Harold of the Rocks. Alexander también dejaría su huella con una magistral muestra de beats, fills y groove.

El octanaje que posee Primus en su gran despliegue musical en vivo y en sus trabajos de estudio, demuestran que no solo se encuentran vigentes en la escena, sino que además, denotan una constante búsqueda en cadencias de su sonido y marca registrada, es que Primus es como ese vino fraguado en las barricas que administra Mr. Krinkle, allá en esa campiña imaginaría de Les y compañía.   

miércoles, 22 de marzo de 2017

John Deacon: ¨El héroe autoexiliado¨.



El apartamiento de John Deacon ha sido siempre un tópico constante de los tabloides amarillistas sobre los miembros restantes de la banda Brian May y Roger Taylor, que aún mantienen circulando el legado de Queen con distintas encarnaciones a través del tiempo. Lo cual no ha estado exento de discrepancias, principalmente por los diversos experimentos y músicos que han pasado por la agrupación.

Un claro ejemplo de ello fue haber regrabado en el 2001, un clásico de la banda con el cantante pop Robbie Williams, en donde Taylor y May recrearon ¨We are the champions¨ para la película A Knigth´s Tale (Corazón de Caballero para Latinoamérica). Deacon en una entrevista al periódico inglés The Sun, declaró que: ¨No quiero ser grosero, pero dejen decir que Robbie Williams no es ningún Freddie Mercury. Freddie nunca podrá ser sustituido y seguramente no por él¨.

Las encarnaciones posteriores al cataclismo generado con la muerte de Mercury han sido varias, quizás las más relevante fue con la llegada del ex Free y Bad Company, Paul Rodgers, en donde lograron plasmar un disco llamado ¨The Cosmos Rock¨ en el 2008. Hoy por hoy, los dos miembros restantes giran con el vocalista Adam Lambert (ex American Idol en 2009).
   
Uno de los sellos de la personalidad de John Deacon siempre fue la timidez. Aquella condición siempre fue soslayada con la gran amistad que sostenía con el carismático frontman, relación manifestada en el escenario y en el estudio, logrando colaboraciones entre sí de alto octanaje a lo largo de la discografía de los ingleses. Con Freddie fuera del ecosistema no había motivo para seguir en el conjunto, la inspiración de Deacon ya no fluiría como antaño y comenzaría a cimentarse la partida del autoexilio.
En varias entrevistas en el último tiempo realizadas a Taylor y May, ambos han sostenido que no mantienen contacto con su ex compañero de banda. El guitarrista comentó en el 2015 al diario británico Mail lo siguiente: ¨Él quiere mantenerse en privado bajo su propio universo. Está al tanto de cualquier movimiento financiero de la banda¨. Roger Taylor añadiría en la misma publicación: ¨Pienso que aún es frágil y que no quiera saber nada de la industria musical, es su opinión y la respetamos¨.

El destape del compositor
Si bien en los primeros dos discos de la banda sus habilidades como compositor no asomaban a la luz, fue en el registro de Sheer Heart Atack de 1974 en donde John haría su primer aporte con la canción ¨Misfire¨. Sus dotes comenzaron a mejorar en su forma de afrontar las canciones, logrando obras tan relevantes como: ¨You are My Best Friend¨, ¨IWant to Break Free¨, ¨Another One Bites the Dust¨ (entre otras).

El vuelo en solitario
Durante el año 1986 John tendría un breve escape de ¨La Reina¨ con la gestación de su proyecto personal: The Inmortal. Lanzando un único single bajo una temática pop titulada ¨No TurningBack¨. Este trabajo sería parte del soundtrack de la película Biggles (en Latinoamérica sería llamada El Viajero del Tiempo), la cual se basó en la novela y relatos del Capitán W.E. John . En el vídeo de la canción, Deacon aparece personificado como un piloto de aviación. 

De uno u otro modo la consecuencia ha sido siempre el estandarte de John a lo largo de los años, alejándose complemente de la escena y la fama. No deja de ser llamativo en su persona que alguien con tanto potencial de creación y composición, se haya cerrado a la idea de seguir creando música. Lo de seguir en Queen, es absolutamente razonable y loable, pero el dejar componer, escapa un poco a la comprensión de quienes siguieron su trabajo por décadas.


martes, 24 de noviembre de 2015

¨Profeta y no en su tierra¨ la nueva voz de Rainbow.

Así como hace referencia el vetusto adagio ¨nadie es profeta en su propia tierra¨, es como el chileno Ronnie Romero (radicado en España), se convirtió en la carta principal para ocupar el puesto de vocalista en la banda que Ritchie Blackmore (si, leyó bien, el legendario guitarrista fundador de Deep Purple y Rainbow) escogió, para su retorno a la escena rock durante el próximo 2016.


Talento nacional trasplantado en Europa

Así como establecía AC/DC en 1975 en su anacrónico manifiesto: ¨Its a Long Way To The Top (If You Wanna Rock ´N´ Roll) ¨, queda claro lo complejo que es llevar una carrera como músico y sobre todo, lograr el anhelado éxito. Pero estos conceptos de conquista, no son desconocidos por nadie que pretenda conseguir algún nivel de consagración en la industria musical. Lo de Ronnie Romero, es prueba patente de un caso de éxito y persistencia en la escena del rock (y no cualquier escena). Es que tocar con Blackmore no es menor, es ser parte de una pieza clave del hard rock-metal, que se conoce hoy por hoy, como lo es la escuela de Ritchie, quien con su riffs y su stratocaster blanca, ha conseguido alinear a incontables generaciones de músicos y fans, bajo incombustibles clásicos del rock. 



Este artículo no pretende engrosar la fama de Blackmore y su aporte al rock, sino más bien, esgrimir hechos que resultan llamativos de la propia escena nacional. Y que tiene como protagonista, no al guitarrista inglés, sino al vocalista chileno Ronnie Romero. De este modo, cabe hacerse la pregunta ¿Por qué Romero no se conocía en Chile antes de que fuera convocado por Blackmore, para integrar la nueva versión de Rainbow? La respuesta aparece incómodamente: desconocimiento de su talento (poco o nada de cobertura mediática) y el escaso aprecio que se le tiene a los talentos nacionales.



La carrera de Romero comienza a cimentarse profesionalmente con su arribo a España, locación que escoge para formar su banda de power metal: Lords Of Black, la cual ya posee un disco editado llamado ¨I¨. Actualmente se encuentran en proceso creativo de una nueva placa. Pero el motivo de su éxodo a Madrid y posterior proliferación en la escena ibérica, se basa en que no logro en su propia tierra, catapultar su carrera y dar a conocer su trabajo. Situación replicada en incontables déjà vu de grupos chilenos, que no alcanzan el reconocimiento mediático y sobre todo, aprobación de la fanaticada criolla. Que por uno u otro motivo, se inclinan a seguir consumiendo material de bandas foráneas (y no es que las bandas de afuera tengan la culpa), pagando abultadas sumas de dinero en conciertos y mercancías.

Tras un breve recorrido por la carrera de Romero y su actual exposición mediática, cabe hacerse la segunda pregunta ¿qué se está haciendo a nivel de cobertura sobre bandas emergentes? Y es atingente, lo que ha generado Ronnie y su inducción a Rainbow, ya que las plataformas de difusión de música no mainstream, tienen la necesidad de mejorar e incrementar esfuerzos relacionados con las bandas nacionales, otorgando mayor protagonismo en sus portadas, además de la gestión en terreno (coberturas en shows y presentaciones en vivo). Sin embargo, también debe existir un cambio en la mentalidad de los fans, quienes juegan un rol protagónico en la ecuación de éxito en las carreras de las bandas, son ellos quienes con su asistencia, participación y apoyo, completan el circulo virtuoso de una prospera escena musical. 

Es imperante dar a conocer talentos de exportación (como el caso de Ronnie) y fraguar una nueva cultura de apreciación por nuestra música. Es por este y otros motivos, que se debe trabajar en mejoras de difusión en medios de comunicación, además de idear una serie de instancias (a corto plazo mencionadas en el párrafo anterior) que vayan orientadas, al reconocimiento de lo mejor de nuestra escena independiente.

   

      

martes, 28 de octubre de 2014

“Echo Of Miles: Scattered Tracks Across The Path”. El esperado disco de lados B.

Desde que Soundgarden logró la anhelada reunión el 2010 se viene hablando (especialmente el guitarrista Kim Thayil) sobre un disco de caras B, el cual contendría material inédito de la banda guardado por más 20 años carrera. “Echo Of Miles: Scattered Tracks Across The Path”, es la prueba fehaciente de ello plasmada en tres CD´S que verán la luz el 24 de noviembre en el mercado.

El trabajo contará con tres cedés divididos en: canciones originales (disco 1), covers (disco 2) y Oddities (disco 3). El artwork está a cargo nuevamente de la mano de Josh Graham (quién también trabajo en el re-lanzamiento de los veinte años de Superunknown), cada placa es separada por color y diseño con un arte distinto para cada registro (ver fotografía). 





El lunes 27 de octubre, Soundgarden publicaba a través de su canal en Youtube-Vevo, la primera estocada con ¨Storm¨. Corte que se desprende de las sesiones de grabación efectuadas durante el mes de mayo del presente 2014, con un viejo conocido de la banda, el mítico Jack Endino.





En palabras del mismo Kim Thayil detalla lo siguiente: ¨En lo que a selecciones de temas para un álbum se refiere, este ha sido divertido de recopilar y juntar. Personalmente he hecho referencia a este proyecto algunas veces a lo largo de los años, ¡empezando a hablar de ello casi veinte años atrás, a mitad de los 90!¨.

El tracklist:

CD 1 (Originals)
1. Sub Pop Rock City
2. Toy Box
3. Heretic
4. Fresh Deadly Roses
5. HIV Baby
6. Cold Bitch
7. Show Me
8. She’s A Politician
9. Birth Ritual
10. She Likes Surprises
11. Kyle Petty, Son of Richard
12. Exit Stonehenge
13. Blind Dogs
14. Bleed Together
15. Black Rain
16. Live To Rise
17. Kristi
18. Storm

CD 2 (Covers) 

1. Swallow My Pride
2. Smokestack Lightnin’
3. Everybody’s Got Something To Hide Except Me And My Monkey (John Peel BBC Sessions)
4. Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) (John Peel BBC Sessions)
5. Come Together
6. Stray Cat Blues
7. Into The Void (Sealth)
8. Girl U Want
9. Touch Me
10. Can You See Me? (Friday Rock Show BBC Sessions)
11. Homicidal Suicidal (Friday Rock Show BBC Sessions)
12. I Can’t Give You Anything (Friday Rock Show BBC Sessions)
13. I Don’t Care About You (Friday Rock Show BBC Sessions)
14. Waiting For The Sun (Live)
15. Search And Destroy (Live)
16. Big Bottom (Live)
17. Earache My Eye (Live)

CD 3 (Oddities)
1. Twin Tower
2. Jerry Garcia’s Finger
3. Ghostmotorfinger
4. Night Surf
5. A Splice Of Space Jam
6. The Telephantasm
7. Black Days III
8. Karaoke
9. Fopp (Fucked Up Heavy Dub Mix)
10. Big Dumb Sex (Dub Version)
11. Spoonman (Steve Fisk Remix)
12. Rhinosaur (The Straw That Broke The Rhino’s Back Remix)
13. Dusty (Moby Remix)
14. The Telephantasm (Steve Fisk 2014 Remix)
15. One Minute Of Silence




martes, 24 de septiembre de 2013

Rebel Meets Rebel ¨El encuentro de Rebeldes¨



Definitivamente el legado musical que Dimebag Darrell Abott dejó en la música, es una pieza fundamental en todo lo que es heavy metal y su propia re-estructuración en el género, otorgándole con su banda madre Pantera y posteriormente con Damage Plan, mayor dinamismo al estilo con elementos como el ¨groove¨ al Thrash metal de los 90´.  Pero no sólo su inconmensurable aporte en el metal extremo fue lo único en lo que destacó, con su depurada técnica y su innovador estilo como guitarrista, durante fines los de 90´ en Fort Worth, Texas (USA), comenzó a gestarse una amistad entre Dime y un ícono de la música country, el mítico David Allan Coe. Con quien intercambiarían gustos similares por el metal, el country y el estilo de vida ¨Rebelde¨ que ambos músicos llevaban a concho en sus vidas, lo que derivaría en el concepto y titulo del disco Rebel Meets Rebel - Rebelde conoce a rebelde (rotulo definitivamente ad-hoc para la placa). 


 La camaradería fue tal entre estos músicos, que quedaría plasmada en un disco que fue grabado esporádicamente durante los años 1999-2003 (entre las pausas del tour de Pantera que desplegaba el disco Reinventing the Steel) pero que no vería la luz hasta el año 2006, posterior al lamentable fallecimiento de Dimebag el año 2004. Rebel Meets Rebel emerge el 2 de mayo del 2006, como la última grabación en vida que Darrell dejase como testimonio en el rock. En palabras del propio Vinnie Paul, que aparecen dentro de las notas pormenorizadas del disco, menciona lo difícil que fue poder encapsular toda la vorágine de emociones que lo invadían en ese momento con el deceso de su hermano menor, terapia que lo sumergió en el estudio como productor de la grabación. En junio 18 del 2006, Vinnie Paul comentaba al sitio Blabbermouth lo siguiente: ¨Dime amaba este disco. David, Rex y yo estamos cumpliendo su sueño y añadiendo a su increíble legado, música que hicimos juntos para ustedes (fans). No es metal y tampoco es country, sólo es cuando se juntan mentes del country y el metal ¡Pure hell-raisin', boozin', jammin' fun!¨.

El registro fue publicado a través del propio sello de Vinnie Paul: ¨Big Vin Records¨, que también oficia como baterista y que junto con el bajista Rex Brown, conforman la cohesionada sección rítmica de la banda y piedra angular del groove. Además en el disco, hay un par de músicos invitados que agregan la cuota de versatilidad al hibrido  trabajo texano.  Joey Floyd (violín), quien imprime el inconfundible sonido del country con el violín en la canción homónima del disco, Hank Williams III (voz), agrega voces adicionales con matices más contemporáneos en contra punto de las armonías de David en la canción ¨Get out of My Life¨ y finalmente, Rex Mauney (teclados), que despunta en el intro con una piano de salón en ¨Cowboy Do More Dope¨. En la portada del disco aparecen dos siglas D.A.C. por David Allan Coe y C.F.H. de los Cowboys From Hell (apodo de las ¾ partes de miembros de Pantera) además de dos iconos clásicos sureños: la bandera, el águila y claro que no podía faltar, una botella de whisky y unas fichas de casino (…) 


 La composición se fundamenta en un sonido southern rock de 12 tracks y las letras se basan en un compendio de historias que van desde: apuestas en casinos, encuentros de rebeldes y estrellas del country que se drogan más que los rockeros. Conceptos que son sólo parte de un forma satírica de cómo Allan Coe va ensalzando parte del trabajo, pero no todo es juergas eternas y gocé, también hay una buena crítica social en el corte ¨Cherokee Cry¨, que trata una temática incomoda para los gobiernos estadounidenses sobre el mal trato con los pueblos originarios. A nivel de riff´s, la estructura de las armonías oscila naturalmente entre un metal agresivo como ¨Nothin to lose¨ y que sin problemas muta a las atmosferas acústicas como en  ¨Arizona Rivers¨, que posee similitudes con ¨Planet Caravan¨ (clásico de Black Sabbath y que paralelamente, Pantera también grabó un cover). ¨Panfilo¨ sigue esa línea con la guitarra acústica, con acordes que rozan a momentos estilos como el Flamenco, también está el último corte del disco llamado "N.Y.C. Streets", el cual se entiende como un relato de David Coe de una sola toma en alguna habitación de hotel en New York, bajo la influencia de algún elixir de turno. 


 Si después de escuchar este disco no te dan ganas de ir a algún bar de mala muerte y destapar varias cervezas, andar en moto e incluso, buscar pleitos (quizás buscar pleitos no tanto…) definitivamente no fluye sangre por tus venas y tu vida carece totalmente de rock. Este ¨Encuentro de rebeldes¨, nace como un cruce entre géneros totalmente disímiles y quizás un experimento freak, se le puede llamar como quiera y da absolutamente lo mismo, lo que realmente importa es que Rebel Meets Rebel, es un fragmento musical imperdible que cuenta con un Dimebag muy inspirado (más dinámico y conciso que los dos discos de Damage Plan) como en sus mejores tiempos con Pantera y es el último eslabón en la carrera musical, de quien fuese uno de los guitarristas más influyentes e innovadores en los últimos 20 años en el heavy metal y hard rock.

Track list:
1-  Nothin To Lose
2-  Rebel Meets Rebel
3-  Cowboys Do More Dope
4-  Panfilo
5-  Heart Worn Highway
6-  One Nite Stands
7-  Arizona Rivers
8-  Get Outta My Life
9-  Cherokee Cry
10- Time
11- No Compromise
12- N. Y. C Streets